| Victorian Aestheticism-Estetismo Vittoriano. CREDITS: Google, wikipedia, sites.udel.edu
Approfondimenti/traduzioni by Valene.
L'estetismo (Aestheticism movimento estetico) è stato un movimento artistico della fine del XIX secolo che ha privilegiato il valore estetico della letteratura, della musica e delle arti rispetto alle loro funzioni socio-politiche.[1][2]
Secondo l'estetismo, l'arte dovrebbe essere prodotta per essere bella, piuttosto che per servire uno scopo morale, allegorico o di altro tipo, un sentimento esemplificato dallo slogan "l'arte per l'arte".
L'estetismo ebbe origine nell'Inghilterra del 1860 con un gruppo radicale di artisti e designer, tra cui William Morris e Dante Gabriel Rossetti.
Fiorì negli anni 1870 e 1880, guadagnando importanza e il sostegno di scrittori importanti come Walter Pater e Oscar Wilde.
Walter Pater passato alla storia per essere stato uno dei fondatori del movimento estetico.
Oscar Wilde.
L'estetismo ha sfidato i valori della cultura vittoriana tradizionale, poiché molti vittoriani credevano che la letteratura e l'arte svolgessero importanti ruoli etici.[3]
Scrivendo su The Guardian, Fiona McCarthy afferma che "il movimento estetico era in netto e talvolta scioccante contrasto con il grossolano materialismo della Gran Bretagna nel 19° secolo".[4]
L'estetismo è stato nominato dal critico Walter Hamilton in The Aesthetic Movement in England nel 1882.[5]
Entro il 1890, decadenza, un termine con origini in comune con l'estetismo, era in uso in tutta Europa.[3]
Letteratura estetica
Gli scrittori decadenti britannici furono molto influenzati dal professore di Oxford Walter Pater e dai suoi saggi pubblicati nel 1867-68, in cui affermava che la vita doveva essere vissuta intensamente, con un ideale di bellezza.
Il suo testo Studies in the History of the Renaissance (1873) fu molto apprezzato dai giovani orientati all'arte della fine del XIX secolo.
Gli scrittori del movimento decadente usarono lo slogan "Art for Art's Sake" (L'art pour l'art), la cui origine è dibattuta.
Alcuni sostengono che sia stato inventato dal filosofo Victor Cousin, anche se Angela Leighton nella pubblicazione On Form: Poetry, Aestheticism and the Legacy of a Word (2007) osserva che la frase è stata usata da Benjamin Constant già nel 1804.[6]
È generalmente accettato che sia stato promosso da Théophile Gautier in Francia, che ha interpretato la frase per suggerire che non esisteva alcuna reale associazione tra arte e moralità.
Gli artisti e gli scrittori di stile estetico tendevano a professare che le arti dovevano fornire un raffinato piacere sensuale, piuttosto che trasmettere messaggi morali o sentimentali.
Di conseguenza, non accettarono la concezione dell'arte di John Ruskin, Matthew Arnold e George MacDonald come qualcosa di morale o utile, "l'arte per la verità".[7]
Ritenevano invece che l'Arte non avesse alcuno scopo didattico; doveva solo essere bella.
Gli Esteti svilupparono un culto della bellezza, che consideravano il fattore fondamentale dell'arte.
La vita dovrebbe copiare l'Arte, hanno affermato.
Consideravano la natura rozza e priva di design rispetto all'arte.
Le caratteristiche principali dello stile erano: suggestione piuttosto che affermazione, sensualità, grande uso dei simboli ed effetti sinestetici/ideastesici, cioè corrispondenza tra parole, colori e musica.
La musica è stata utilizzata per stabilire l'atmosfera.
I predecessori degli esteti includevano John Keats e Percy Bysshe Shelley e alcuni dei preraffaelliti che erano essi stessi un'eredità dello spirito romantico.
Vi sono alcune significative continuità tra la filosofia preraffaellita e quella degli esteti: la dedizione all'idea di "Arte per il bene dell'arte"; ammirazione e costante ricerca della bellezza; evasione attraverso le arti visive e letterarie; artigianato che è allo stesso tempo attento e consapevole; interesse reciproco a fondere le arti dei vari media.
Questa idea finale è promossa nel poema L'Art di Théophile Gautier, che paragonava il poeta allo scultore e pittore.[8]
Dante Gabriel Rossetti e Edward Burne-Jones sono i più fortemente associati all'estetismo.
Tuttavia, il loro approccio all'estetismo non condivideva il credo di 'Art for Art's Sake', ma piuttosto "una vivace riaffermazione di quei principi di colore, bellezza, amore e pulizia che il mondo squallido, agitato e scoraggiante della metà del diciannovesimo secolo aveva bisogno di così tanto.”[9]
Questa riaffermazione della bellezza in un mondo scialbo si collega anche all'evasione preraffaellita nell'arte e nella poesia.
In Gran Bretagna i migliori rappresentanti furono Oscar Wilde, Algernon Charles Swinburne (entrambi influenzati dai simbolisti francesi), James McNeill Whistler e Dante Gabriel Rossetti.
Questi scrittori e il loro stile furono oggetto di satira dall'opera comica di Gilbert e Sullivan Patience e da altre opere, come il dramma di FC Burnand The Colonel, e in riviste di fumetti come Punch, in particolare nelle opere di George Du Maurier.[10]
Uno dei tanti disegni satirici della rivista Punch sugli Esthetes
Il romanzo di Compton Mackenzie Sinister Street utilizza il tipo come una fase attraverso la quale passa il protagonista poiché è influenzato da individui più anziani e decadenti.
I romanzi di Evelyn Waugh, che era una giovane partecipante della società esteta a Oxford, descrivono gli esteti principalmente in modo satirico, ma anche come ex partecipanti.
Alcuni nomi associati a questo assemblaggio sono Robert Byron, Evelyn Waugh, Harold Acton, Nancy Mitford, AE Housman e Anthony Powell.
Belle arti estetiche
Gli artisti associati allo stile estetico includono Simeon Solomon, James McNeill Whistler, Dante Gabriel Rossetti, Albert Joseph Moore, GF Watts e Aubrey Beardsley.[4]
Sebbene il lavoro di Edward Burne-Jones sia stato esposto alla Grosvenor Gallery che ha promosso il movimento, è narrativo e trasmette messaggi morali o sentimentali, quindi esula dal presunto programma del movimento.
Canaries di Albert Joseph Moore, ca. 1875–1880. Faceva parte di un gruppo di artisti il cui lavoro è stato esposto alla Grosvenor Gallery di Londra.[4]
Arti decorative estetiche
Secondo Christopher Dresser, l'elemento principale dell'arte decorativa è l'utilità.
La massima "arte per l'arte", che identifica l'arte o la bellezza come elemento primario in altri rami del Movimento Estetico, in particolare nell'arte, non può applicarsi in questo contesto.
Cioè, l'arte decorativa deve prima avere utilità, ma può anche essere bella.[11]
Tuttavia, secondo Michael Shindler, il ramo dell'arte decorativa del Movimento Estetico, era meno il cugino utilitaristico del principale ramo "puro" dell'estetismo, e più il mezzo stesso con cui gli esteti esercitavano la loro strategia di progettazione fondamentale.
Come l'arte contemporanea, Shindler scrive che l'estetismo è nato dall '"enigma di costituire la propria vita in relazione a un'opera esteriore" e che ha "tentato di superare" questo problema "includendo gli artisti nel loro lavoro nella speranza di cedere - più che semplici oggetti, vite che potrebbero essere opere d'arte viventi."
Così «le cose belle sono diventate le sensuali scenografie di un dramma in cui gli artisti non erano come i loro antenati una sorta di troupe di macchinisti anonimi, ma stelle. Di conseguenza, gli esteti hanno fatto idoli di ritratti, preghiere di poesie, altari di scrivanie, cappelle delle mense e angeli caduti dei loro simili».[12]
Le scuole governative di design furono fondate dal 1837 in poi per migliorare il design dei prodotti britannici.
In seguito alla Grande Esposizione del 1851 si intensificò gli sforzi e si acquistarono oggetti orientali per le collezioni didattiche delle scuole.
A Owen Jones, architetto e orientalista, fu chiesto di stabilire i principi chiave del design e questi divennero non solo la base dell'insegnamento scolastico, ma anche le proposizioni che precedono The Grammar of Ornament (1856), che è ancora considerato il miglior studio sistematico o pratico manuale di ornamento storico mondiale.
Jones ha identificato la necessità di uno stile nuovo e moderno che soddisfacesse le esigenze del mondo moderno, piuttosto che il continuo riciclo degli stili storici, ma non vedeva alcun motivo per rifiutare le lezioni del passato.
Christopher Dresser, uno studente e successivamente professore della scuola, lavorò con Owen Jones a The Grammar of Ornament, nonché alla decorazione del 1863 delle corti orientali (cinese, giapponese e indiana) al South Kensington Museum (ora Victoria and Albert Museum), ha avanzato la ricerca di un nuovo stile con le sue due pubblicazioni The Art of Decorative Design 1862 e Principles of Design 1873.
La produzione di mobili in stile estetico è stata limitata a circa la fine del 19° secolo.
Aesthetic Brass Table di Bradley & Hubbard Company (vedi A Brass Menagerie, Metalwork of the Aesthetic Movement)
I mobili in stile estetico sono caratterizzati da diversi temi comuni:
*Legno ebanizzato con riflessi dorati.
*Influenza dell'Estremo Oriente.
*Uso prominente della natura, in particolare fiori, uccelli, foglie di ginkgo e piume di pavone.
*Blu e bianco su porcellana e altre porcellane fini.
Mobili ebanizzati significa che il legno è dipinto o tinto con una finitura in ebano nero.
I mobili a volte sono completamente color ebano.
Più spesso, invece, si aggiungono dorature alle superfici scolpite delle piume o fiori stilizzati che adornano i mobili.
Antiquariato del movimento estetico al Florian Papp, New York City
Poiché l'arredamento del movimento estetico era simile allo stile di scrittura corrispondente in quanto riguardava la sensualità e la natura, i temi della natura appaiono spesso sui mobili.
Una caratteristica estetica tipica è il fiore dorato intagliato, o la piuma di pavone stilizzata.
Si vedono spesso dipinti colorati di uccelli o fiori.
I mobili con movimento estetico non ebanizzato possono avere rappresentazioni tridimensionali simili a uccelli o fiori scolpiti nel legno dall'aspetto realistico.
In contrasto con i mobili ebanizzati dorati c'è l'uso del blu e del bianco per la porcellana.
Temi simili di piume di pavone e natura sarebbero usati nei toni del blu e del bianco su stoviglie e altre stoviglie.
Il design blu e bianco era popolare anche su piastrelle in gres porcellanato quadrate.
È stato riferito che Oscar Wilde ha utilizzato decorazioni estetiche durante la sua giovinezza.
Questo aspetto del movimento è stato satirizzato anche dalla rivista Punch e in Patience.
Nel 1882 Oscar Wilde visitò il Canada, dove visitò la città di Woodstock, in Ontario, e tenne una conferenza il 29 maggio intitolata "The House Beautiful".[13]
In questa conferenza Wilde espose i principi del movimento estetico nel design decorativo e applicato, noto all'epoca anche come stile "Estetica ornamentale", secondo il quale la flora e la fauna locali erano celebrate come belle e strutturate, i soffitti a strati erano popolari.
Un esempio di questo può essere visto nel sito storico nazionale di Annandale, situato a Tillsonburg, Ontario, Canada.
La casa è stata costruita nel 1880 e decorata da Mary Ann Tillson, che ha partecipato alla conferenza di Oscar Wilde a Woodstock.
Poiché il movimento estetico era prevalente nelle arti decorative solo dal 1880 circa fino al 1890 circa, non ci sono molti esempi sopravvissuti di questo particolare stile, ma uno di questi esempi è 18 Stafford Terrace, Londra, che fornisce uno spaccato di come la classe media interpretava il suo stile i principi.
Olana, la sede della Chiesa di Frederic Edwin nello stato di New York, è un importante esempio di esotismo nelle arti decorative del Movimento Estetico.[14]
Influenza sulla pubblicità
Il movimento estetico in Inghilterra fu direttamente coinvolto nella pubblicità del Pears Soap (sotto la guida del pioniere della pubblicità Thomas J. Barratt) reclutò l'attrice e socialite inglese Lillie Langtry, che era stata dipinta da artisti esteti ed era anche amica di Oscar Wilde, per promuovere il loro prodotti nel 1882, facendo di lei la prima celebrità ad approvare un prodotto commerciale.[15][16][17]
Note e bibliografia
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Denney, Colleen. "At the Temple of Art: the Grosvenor Gallery, 1877-1890", Issue 1165, p. 38, Fairleigh Dickinson University Press, 2000 ISBN 0-8386-3850-3
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"The Aesthetic Movement". The Guardian. Retrieved 1 September 2020.
"Aesthetic Movement". Tate.
Angela Leighton (2007) 32.
Raeper, William (1987) George MacDonald, p. 183. Tring, Herts., and Batavia, IL: Lion Publishing.
McMullen, Lorraine (1971). An Introduction to the Aesthetic Movement in English Literature. Ottawa, ON: Bytown Press. pp. 22–23.
Welland, Dennis S. R. (1953). The Pre-Raphaelites in Literature and Art. London, UK: George G. Harrap & Co. Ltd. p. 22.
Mendelssohn, Michèle (2007). Henry James, Oscar Wilde and Aesthetic Culture. Edinburgh University Press. pp. 22–30. ISBN 978-0748623853.
Christopher Dresser. The Art of Decorative Design 1862.
Shindler, Michael (2 March 2020). "The Art of Madness and Mystery". Church Life Journal. The McGrath Institute for Church Life, University of Notre Dame.
O'brien (1982) 114.
Burke, Doreen Bolger (1986). In Pursuit of Beauty: Americans and the Aesthetic Movement. New York: Metropolitan Museum of Art. p. 20. ISBN 9780870994685.
Fortunato, Paul (2013). Modernist Aesthetics and Consumer Culture in the Writings of Oscar Wilde. Routledge. p. 33.
Jones, Geoffrey (2010). Beauty Imagined: A History of the Global Beauty Industry. Oxford University Press. p. 81.
"When Celebrity Endorsers Go Bad". The Washington Post. Retrieved 2 March 2022. British actress Lillie Langtry became the world's first celebrity endorser when her likeness appeared on packages of Pears Soap.
Bibliografia
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Gal, Michalle. Aestheticism: Deep Formalism and the Emergence of Modernist Aesthetics. Peter Lang AG International Academic Publishers, 2015
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Lambourne, Lionel. The Aesthetic Movement. Phaidon Press: 1996. ISBN 0-7148-3000-3.
O'Brien, Kevin. Oscar Wilde in Canada, an apostle for the arts. Personal Library, Publishers: 1982.
Snodin, Michael and John Styles. Design & The Decorative Arts, Britain 1500–1900. V&A Publications: 2001. ISBN 1-85177-338-X.
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Gal, Michalle. "Aestheticism, philosophical critique". in Oxford Encyclopedia of Aesthetics (Michael Kelly, ed.). Oxford University Press, 2014. |
